Hope you find it interesting.
Agur bero bat,

Inaki Prieto
Bask Country

Todd, el productor

Un currículo abrumador. Con sólo 21 años, Todd Rundgren es recomendado como ingeniero de sonido a Albert Grossman, manager de Bob Dylan y Janis Joplin. Tras un par de encargos, ‚éste le envía a Toronto para ayudar a Robbie Robertson a producir el primer Album de Jesse Winchester, el que contiene "Biloxi" (después tendría mayor protagonismo en el segundo, Third Down,110 to go, concretamente en las canciones "Midnight Bus", "Glory To The Day" y "Silly Heart"). "Fue mi primer trabajo para Bearsville. Ellos tenían mucha fe en Jesse. Necesitaban evaluarme, como un examen. Debía demostrar mi talento como hombre de estudio capaz de operar con cualquier tipo de música". Todd aprovecha la oportunidad y se convierte en ingeniero de "Stage Fright", de The Band junto a Glyn Johns. "Allí aprendí en primer lugar a tener paciencia. Yo era muy joven y creía que todo se podía hacer deprisa: entrar, grabar rápido y publicar. Los días junto a The Band cambiaron mi perspectiva y me enseñaron que la convivencia es importante; cada segundo con el grupo puede aportar un nuevo matiz, después reflejado en la grabación. Ellos ni siquiera querían entrar en el estudio. Vivían en una especie de teatro. Yo planté mi tienda de campaña detrás. Imagina: mucho calor durante el día y frío por la noche. Aprendí que no todos deben ir al ritmo que yo deseo imponer". En los créditos Todd reconoce haberse inspirado en el estilo del percusionista Levon Helm para interpretar "Sweeter Memories'

No menos instructiva resultó la aventura produciendo a Paul Butterfield Blues Band. ¡Un doble en directo con los maestros blancos del blues! Podría ensayar así lo asimilado escuchando a sus adorados Cream. "Hubo mucho karma en esta colaboración. Fue inusual porque, al mismo tiempo, se supone que yo debería estar grabando el último LP de Janis Joplin. Ella entonces estaba sin banda y existía un contacto con Paul. Durante las pruebas no tuve acceso a ningun tipo de control, simplemente estaba en el estudio. Intentamos grabar juntos una canción, la que debía ser single y cabeza del álbum, pero no quedó contenta con su interpretación. Yo entonces desconocía que para sacarle a Janis el máximo rendimiento debías hablarle y hablarle, masajearle la autoestima hasta conseguir de ella el estado de ánimo idóneo. Cuando vimos que ni la banda ni yo éramos compatibles con su proyecto, nos marchamos, y Janis al final encontró a Paul A. Rotchild".

En 1.971 Todd produja a Hafnelson (más adelante Sparks). " Fueron mi primer descubrimiento. Sólo tenían una "demo" y parecía muy raros. También a Badfinger. Una producción extraña, no por su música, sino por el entorno. Cuando llegué, llevaban un año intentando acabar un disco. Una vez grabado conmigo, empezaron las disputas por los royalties; incluso algún miembro se suicidó". Y llega su consagración en 1.973. Primero se ejercitó con Fanny ("eran divertidas, habían llegado ya a su límite y su mayor baza consistía en ser todas mujeres, pero andaban ya algo desgastadas y querían reflejar sus gustos en este disco: no tuvo éxito") para dar el golpe con Grand Funk (Railroad hasta aquel momento cuando cambian su manager Terry Knight por John Eastman, cuñado de Paul McCartney) y "We're an American Band". "Fue un éxito muy fácil. Era una banda mal entendida por el público pues había padecido producciones terribles. Sonaron cien veces mejor contratando a un productor de verdad, ja, ja" Aquel mismo año se encendió el botón de la controversia mientras remachaba el primer álbum de "New York Dolls". "Fue duro tener allí a cinco chicos avasallando; tal y como querían ellos el sonido, no creo que llegasen a ninguna parte. Y no querían o no sabían escuchar. Tenían siempre mucha prisa, y me impedían prestar atención a los pequeños detalles para mejorar el acabado del disco. Lo cual, por cierto, parecía no importarles".

De entre los encargos de 1.974 -Felix Cavaliere, Hello People- el único que trasciende es el de "War Babies" para Hall & Oates. "En aquellos momentos, Daryl Hall dirigía el destino del disco debido a su obsesión por David Bowie. Fue complicado canalizar estas influencias e integrarlas en el supuesto sonido del dúo. Su satisfacción al final de la grabación contrastaba con las caras largas de la discográfica, pues no tenían un "hit" sucesor de "She's Gone". Así que los echaron y ellos triunfaron en otro lado con canciones de pop sencillas y pulidas, sin concesiones a la experimentación. Una lástima, ya que Daryl tiene talento y le gusta arriesgarse. Sólo que cada vez que lo ha hecho el producto no se ha vendido" . A algunos amantes de lo actual les interesará saber que Rundgren produjo a Steve Hillage, de System 7, entonces en Gong. ¿ El trabajando para un británico? "Oh, mi admiración por los músicos de ese país es incombustible; pasaba buena parte del año allí. Fue el primer "hippy" de alpargata con el que trabajé. Con él todo tenía que ser "hippy trippy". Pero era divertido y entretenido; nos reíamos mucho con sus ocurrencias".

Con e1 trajín de Utopia en su punto álgido, aún le queda tiempo en 1.997 para producir uno de sus trabajos más celebrados, "Bat Out Of Hell", de Meat Loaf donde pudo manejar a su antojo sus elementos preferidos- épica y candidez- en un ejercicio de pompa brillante, donde teatralidad, decibelios y melodía copulaban sin protección; una suerte de E Street Band de rock'n'roll de cartón devastadora para soñadores adolescentes. A partir de entonces Todd produce cada vez más esporádicamente, como a rachas. Un aluvión de colaboraciones suyas vuelve a inundar el mercado en 1.979- Rick Derringer, Tom Robinson, The Tubes-, aunque destaca por encima de todas la de su amiga Patti Smith con "Wave" -ya en 1972 le dedicó una canción en "Something/Anything?","Song of The Viking", y de ella es el poema en sánscrito que decora la portada de "A Wizard, A True Star"-. Mezclas barrocas, hachazos de la prensa. "El problema de "Wave" no era yo. En aquel momento Patti estaba cambiando su vida. Salía con Fred Smith. Aún no se habían casado, pero vivían juntos. Ella sabía que iba a retirarse durante un período largo y no se lo había comunicado a la banda aunque sí a mí. Una complicidad que creó tensiones. Nada más terminar la producción, se casó con Fred, se mudó a Michigan y se retiró. Durante una década nadie supo de ella. Estuvimos sin contactar durante casi quince años. La volví a ver en el concierto pro-Tibet. Allí retomamos el hilo perdido. Fred ya había muerto.

De las producciones posteriores, para nombres como Shaun Cassidy, Jim Steinman, The Psychedelic Furs, Cheap Trick, The Lords Of The New Church, The Rubinoos y Jules Shear, merecen destacarse la de XTC -"Skylarking" en 1.986 también conflictiva- y dos LPs de los canadienses The Pursuit Of Happiness, "Love Junk (88) y "One Sided Story' (89). Y últimamente? "Hay un grupo cuyo primer álbum se parece a mi estilo con quienes estoy a punto de firmar la producción de su segundo trabajo. Como el trato se cierra la semana próxima no puedo desvelar el nombre". Se refiere a New Radicals?

Curriculum overwhelming. Being just 21 years old, Todd Rundgren is recommended as sound engineer to Albert Grossman, manager of Bob Dylan and Janis Joplin. After a pair of small works, Grossman sends him to Toronto to help to Robbie Robertson producing the first Jesse Winchester album, the one that has " Biloxi " inside (later he would have greater input in the second, "Third Down, 110 to go", specially in the songs " Midnight Bus ", " Glory To The Day " and " Silly Heart "). " It was my first work for Bearsville. They had a lot of faith in Jesse. They needed to evaluate me. I had to demonstrate my talent as studio man, able to operate with any type of music ". Todd takes advantage of the opportunity and he becomes engineer of " Stage Fright ", by The Band next to Glyn Johns. " There I learned in the first place to have patience. I was very young and thought that everything could be done quickly: come in the studio, quickly record and publish. The days I spent with The Band changed my perspective and they taught to me that working together is important; every second with the group can create a new feeling, later reflected in the recording. They not even wanted to get in the studio. They lived in a sort of theatre. I planted my tent behind. You can imagine: very hot place during the day and very cold at night. I learned that everything do not have to go the with the pace I wish to impose ". In the credits Todd recognises having been inspired by the style of the percussionist Levon Helm playing " Sweeter Memories'

Not less instructive was the adventure producing the Paul Butterfield Blues Band. A double live LP with the fathers of white blues! He could practice therefore the assimilated experiences while listening to his adored Cream. " There was a lot of karma in this collaboration. It was unusual because, at the same time, I assumed that I should have been recording the last LP of Janis Joplin. She was without a band and she had a contact with Paul. During the tests I did not have access to any type of control, I simply stayed in the studio. We tried to record together a song, the one that had to be the single and head of the album, but she was not happy with her work. I did not know that in order to have the maximum from Janis, you had to speak and speak to her, to talk to her self-esteem until putting her in the suitable mood. When we saw that neither the band nor I was compatible with their project, we left, and Janis in the end found Paul A. Rotchild ".

In 1.971 Todd produced Hafnelson (later Sparks). " They were my first discovery. They only had one " demo " and seemed very strange. Also Badfinger. A strange production, not by its music, but by the surroundings. When I arrived, they had been a year trying to finish a LP. Once recorded with me, the disputes because of the royalties began; some member even committed suicide ". And its consecration in 1.973 arrives. First it was exercised with Fanny (" they were amusing, they had arrived at their limit and its greater trick consisted of being all women, but they were doing something already worn away and they wanted to reflect their tastes in this LP: it was not successful ") to reach the max with Grand Funk (Railroad until that moment when they changed their manager from Terry Knight to John Eastman, brother-in-law of Paul McCartney) and " We're an American Band ". " It was a very easy success. It was a band badly understood by the public because it had suffered terrible productions. They really sounded one hundred times better contracting a real producer, ja, ja " That same year ignited the button of the controversy while he was finishing the first album of " New York Dolls". " He was hard to have five boys dominating here; the way they wanted to sound, I do not believe that they could arrive nowhere. And they did not want or they did not know how to listen. They were in a always in such a hurry, and they prevented me to pay attention to the small details to improve the finished product. Which, by the way, it seemed not to matter them ".

From the works of 1,974 - Felix Cavaliere, Hello People- the only one that shines is " War Babies " with Hall & Oates. " At those moments, Daryl Hall directed the destiny of the LP due to his obsession for David Bowie. It was complicated to canalise these influences and to integrate them in the supposed sound of the duo. Their satisfaction at the end of the recording contrasted with the long faces of the record company executives, because they did not have a " hit " follower of " She's Gone ". So they threw them away and they reached the success in another company with simple and polished pop songs, without any concession to the experimentation. It's a pity, since Daryl has a lot of talent and he likes to take risks. But, whenever it has done it the final product has not been successful ". For some lovers of todays music it will be interesting for them to know that Rundgren produced Steve Hillage, of System 7, at that time member of Gong. Working for a Brit? "Oh, my admiration for the musicians of that country is fireproof; I lived there good part of the year. Steve was first " hippie " with canvas shoes with which I worked. With him everything had to be " hippie trippy ". But he was amusing and entertaining; we used to laugh a lot with his occurrences ".

With his work with Utopia in its algid point, he still had left time in 1.997 to produce one of its more celebrated works, " Bat Out Of Hell ", by Meat Loaf where he could at will work with his favourite elements: epic and naivete, in a shining exercise of pomp, where theatricality, decibels and melody were mixed without control; a sort of E.Street Band of rock'n'roll for teenage dreamers. From then Todd produces more and more sporadically. A alluvium of collaborations returns to flood the market in 1.979- Rick Derringer, Tom Robinson, The Tubes -, although the one that stays above all is the one with his friend Patti Smith " Wave " - in 1972 he already dedicated a song to her in "Something/Anything?", " Song of The Viking ", and hers is the poem in Sanskrit that decorates the cover of "A Wizard, A True Star " -. Barroquian mixtures, axes blow by the press. "The problem with " Wave " was not me. At that moment Patti was changing his life. She was with Fred Smith. They were not married yet, but they lived together. She knew that she was going to retire during a long period and she had not communicated it to the rest of the band although she did it to me. A complicity that created problems. Just after finishing the production, she married Fred, she moved to Michigan and she retired. During one decade nobody knew about her. We didn't have any contact during almost fifteen years. I saw her again in the pro-Tibet concert. There we retook the lost thread. Fred already had died.

Of the later productions, for names like Shaun Cassidy, Jim Steinman, The Psychedelic Furs, Cheap Trick, The Lords Of The New Church, The Rubinoos and Jules Shear, they deserve to stand out the one by XTC - " the also conflicting Skylarking " in 1.986 and two Canadian LPs for the The Pursuit Of Happiness, " Love Junk (88) and " One Sided Story' (89). And lately? " There is a group whose first album is looked like having my style with those who I am on the verge of signing the production of its second work. As the treatment is closing bye next week I cannot reveal the name ".

Después de tus primeros cuatro discos con un estilo concreto, el doble 'Todd', en l974, anunciaba cambios ya desde la portada, con tus mechones y pelo teñido en clave Glam rock.

Podrías analizar muchos elementos en este álbum. En primer lugar mi Producto debía adecuarse al medio. Hablamos de espectáculo, de cómo debías presentarte ante el público en aquella época, los setenta; acordes escupidos con grandilocuencia y volumen sobre escenarios costosos, vestido con ropa más costosa...y estridente. Era la manera entonces de interesar. La música no era más que el reflejo de una generación. No bastaban buenas canciones, necesitabas ejercer de actor en directo, buscarles arreglos de impacto. A partir de entonces mi música empezó a construirse pensando en el directo, puliendo las composiciones nuevas antes de entrar en el estudio. Se grababa a partir de las pruebas efectuadas durante muchos shows.

¿A qué se debió el nacimiento de Utopía?

No tuve la oportunidad de explayarme con la guitarra en mis discos en solitario como a menudo me hubiera apetecido. Si estás centrado en el tratamiento vocal, un "sólo"" chirriante no encaja. Y yo tenía ganas de hacer el animal con la guitarra. No necesitaba imperiosamente adulación pero quería sentirme guitarrista. Y, muy importante, quería sentirme sólo el guitarrista, sin tener que enseñarles a los demás músicos cómo debían interpretar su parte o aprenderla yo mismo. Cuando empezamos Utopía era muy emocionante juntarnos y que cada cual mostrara sus esbozos en su instrumento, una idea o embrión de canción, para que los demás pensaran la mejor solución y qué podían aportar. Se convirtió en una doble vida para mí: podía ser un simple guitarrista-miembro y mantener a la vez una carrera paralela. Durante cierto tiempo, compaginar ambas facetas no fue posible. Utopia absorbía todo mi tiempo.

Hiciste un viaje por Asia. ¿Tu interés por lo oriental nació entonces?

No, era previo. El motivo del viaje fue otro. Quería componer canciones sobre cuyos temas yo tuviese una experiencia directa, así que me puse a adquirir experiencias viajando durante tres meses. Comencé en Turquía, después fui a Irán, Afganistán, India, Nepal, Sri Lanka, Tailandia, Bali, Tokio y retorno vía Hawai. No creo que vuelva a repetir al menos los mismos lugares. Fue bonito, pero ahora es distinto, y me parece peligroso ir solo con la mochila por Irán o Afganistán. Y si volviese a Nepal por supuesto no lo encontraría tan idílico: cuando yo fui sólo llevaba diez años abierto a los extranjeros. La India aún me tienta, quizás allí vuelva, aunque no sé cuando. Ahora vivo en Hawai, lo cual, según se mire, también suena a aventura. Hay islas donde perderse, volcanes para escalar, etc. En cuanto a la pregunta, de algún modo idealicé el exotismo musicalmente. Una vez visitados estos lugares, aprendes que este exotismo no ha de ser a la fuerza mejor que el sistema de vida occidental. Es diferente. Allí ves la realidad despojada del misticismo y del "glamour", cuando añoras un McDonald's o te das de bruces con él en pleno caos tercermundista. Y si observas unos días la vida cotidiana de allí cuando ves que lo exótico para ti es rutinario para sus habitantes, esa idea preconcebida que venia en tu mochila, esa magia, se desvanece.

Paradójicamente desde el principio utilizas máquinas. Por delante de ti han pasado krautrock, tecno-pop, ambient, techno... los años transcurren con el mismo común denominador: tecnología y gancho melódico. Precisamente, tu fórmula. ¿Qué crees haber aportado?

Sólo aspiro a formar parte del legado musical del siglo, ni más ni menos que los otros nombres que puedan aparecer en la conversación. Lo interesante de la música es su estrechez de miras, diseñada para complacer a una audiencia. Es redefinida constantemente aunque sin transgredir. Ahora bien, desde una perspectiva más amplia hace cien años era impensable que un público aceptase una canción pop. Había un nivel de sofisticación instrumental muy elevado, donde todo pasaba por el directo. No existían los discos, no había promoción, no había un cuarteto de cuerda tocando pop ni una banda de guitarras eléctricas. No obstante, la calidad de los instrumentistas era superior. Habiendo dicho esto, también es verdad que una vez educado el público a una determinada forma de escuchar música es muy difícil cambiar. La gente escuchaba música clásica y un día aparece Ravel espantando a todos con su bolero. Fue como una revolución, ahora lo silbas en la ducha tras escucharlo en una película de Blake Edwards. Lo revolucionario ayer en música es corriente hoy y desfasado mañana, aun con la estrechez de miras. Una pequeña revolución diaria interrumpida periódicamente por sacudidas más fuertes, siempre operando contra las tendencias populares o lo establecido. En el pasado, pongamos los últimos veinte años, hubo poca música de baile si la comparamos con la oferta actual. Mirando la MTV, ahora la mayoría de las canciones tienen un texto ininteligible, un texto estúpido o no tienen texto. Se canta rápido y enfangado entre masas de sonido inmensas. Las estructuras apenas importan: se está definiendo un nuevo modelo generacional.

Fuiste prototipo de músico que toca todos los instrumentos. Bueno, tal vez Paul McCartney se anticipó en el primer disco de Wings. Después vinieron los de Prince...

El artista original fue Les Paul. Utilizó la grabación de varias pistas, la máquina en vez del instrumentista y la grabación a distintas velocidades. Un "techno-kid" de los cincuenta. Así que, como concepto no es tan transgresor. Incluso en música popular, pocos lo dicen pero Stevie Wonder ha grabado solito buena parte de su discografía más exitosa, ya desde "Signed Sealed And Delivered" de 1970. Sin embargo no hace alarde de ello.

¿Y la técnica del sampling?

Tal como se utiliza ahora, no. En cambio sí empecé a manejar sonidos pregrabados por mí o por otros a modo de secuencias desde "A Wizard A True Star". Después, ya con Utopia, en directo utilizábamos "samples" de publicidad televisiva trucados sobre los que añadíamos más instrumentos. Era otro objetivo y otro mundo no teníamos tecnología digital? Recuerdas los cartuchos de ocho pistas? Todos las radios tenían.

¿Por qué decidiste entrar en el mundo del vídeo?

Me excitaba relacionar imágenes y música, visualizar los sonidos. Coincidí con la aparición de MTV, sólo que ellos pretendían visualizar toda la música, con lo cual yo discrepo. Creo que primeramente necesitas escuchar una canción, liberar tu imaginación y describir lo ocurrido y pasar después a comparar tu perspectiva con la de un director de vídeos. Si cuando la escuchas por primera vez, como ocurre con la MTV, ya te suministran unas imágenes, aquella canción siempre se visualizará así, de modo que tus libertades son recortadas en vez de potenciadas. Yo estoy más de acuerdo con la imagen abstracta: formas, colores, etc. Mucho más que con la imagen convencional de un vídeo con el grupo tocando sus instrumentos.

Y ahora, Internet.

Lo que caracteriza a Internet es la manera con que puede una persona encontrar música y suministrarla hasta derogar todos los conceptos anteriores sobre los objetivos de la música. El CD como representación transportadora de la experiencia musical, desaparecerá y será reemplazado por un cable o una ruta de ondas. No existirán tiendas que vendan música, se la contemplará como un servicio más en vez de un producto, como la televisión por cable. Pagarás una cantidad mensual para garantizar tu suministro y, dentro de las inmensas posibilidades que una oferta así te proporcionará, decidirás qué quieres escuchar en cualquier momento. Pagarás diez o quince dólares al mes a un servidor que a su vez contratará a distintos creadores de música o pactará el acceso con sus representantes legales. Desaparecerán las índices de venta los objetivos del mes y las copias; se tratará de que el público acceda a tanta música como quiera por un precio convenido y de que los artistas que la fabriquen sigan siendo compensados. En el fondo se trata tan sólo de la experiencia de escuchar música. De escuchar música, no de coleccionar CDs. Los CDs contienen música y sirven para algo más que para convertirse en un trofeo de vitrina. Las personas, no obstante, a veces nos confundimos y olvidamos las funciones básicas de los objetos debido a nuestro afán de posesión. ¿No sería bonito encender un botón y poder elegir cualquier canción sin que apenas ocupe espacio en tu vivienda? Con un coste muy inferior, pues no habrá manufacturación. Sin discográficas. Sin gastos de distribución...

You could analyse many elements in this album. In the first place my product had to be adapted to the way the things were at that time. In terms of a show, of how did you had to behave in public, it was the seventies; virtuoso accords with grandiloquence and volume on expensive scenes, dressed with more expensive clothes... and shocking images. It was the way to interest the public at that time. Music was not more than the reflection of a generation. Good songs were not enough, you needed to perform like an actor in live shows, searching for impacting arrangements to please them. >From then my music began to be constructed thinking about the live shows, polishing the new compositions before entering the studio. I knew how to record a song from the tests conducted during many live shows.

Q.:What purpose had the birth of Utopia?

I did not have the opportunity to spread my guitar skills in my solo LPs as often I had desired. If you are centred in the vocal processing, a shrilling guitar solo does not fit. And I had the need of doing the animal with the guitar. I did not need flattery urgently but I wanted to feel the guitarist in me. And, very important, I wanted to feel being only the guitarist, without having to teach the other musicians how they had to interpret their part or to learn it by myself. When we began Utopia it was very exciting when all the members got together and everyone showed his outlines in its instrument, an idea or embryo of a song, so that the others thought the best solution and what they could contribute. That became a sort of a double life for me: I could be a simple guitarist-member and having a parallel musical career simultaneously. For a certain time, to arrange both facets was not possible. Utopia absorbed all my time.

Q.:You made a trip by Asia. Your interest by the Eastern thing was born then?

No, it was previous. The reason for the trip was another one. It wanted to compose songs on whose subjects I had a direct experience, so I put myself to acquire experiences travelling during three months. I began in Turkey, later I went to Iran, Afghanistan, India, Nepal, Sri Lanka, Thailand, Bali, Tokyo and return via Hawaii. I do not believe that I would return to repeat that trip at least in the same way. It was beautiful, but now it is different, and it seems to me dangerous to go by myself with the knapsack to Iran or Afghanistan. And if I returned to Nepal of course I would not find it so idyllic: when I went there, it had only been opened for ten years to foreigners. Perhaps India still touches me, perhaps I will return there, although I do not know when. Now I live in Hawaii, which, according to how you look at it, also sounds like an adventure. There are islands where to lose yourself, volcanoes to climb, etc. As far as the question, of some way I idealised the musical exoticism. Once visited these places, you learn that this exoticism does not have to be better than the system of western life. It is different. There you see the undressed reality of the mysticism and " glamour ", when you dream for a McDonald's or you get kept in the middle of a total third-world chaos. And if you look at the daily life of there when you see that the exotic thing for you is routine for its inhabitants, that preconceived idea that came with you in your knapsack, that magic, vanishes.

Q.:Paradoxically, from the beginning you use machines. In front of you they have passed krautrock, ambient, techno -pop... the years pass with the same common denominator: technology and melodic hook. Indeed, your formula. What do you think about your contribution to todays music?

I only aspire to be a part of the musical legacy of the century, neither more nor less than the other names that can appear in the conversation. The interesting thing of music is its narrowness of sights, designed to please an audience. It is redefined constantly although without transgressing. However, from one ampler perspective one hundred years ago he was unthinkable that a public accepted a pop song. There was a very high level of instrumental sophistication, where everything happened through the live performances. The records did not exist, there were no promotion, there was not a quartet of cord playing pop or a band of electric guitars. However, the quality of the players was superior. Having said this, it is true that once the public is educated to a determined form of listening to music, it is very difficult to change that. People listened to classical music and suddenly one day, Ravel appears frightening everybody with his bolero. It was like a revolution. Now you whistle it in the shower after listening to it in a film by Blake Edwards. What was revolutionary in past music is current today and will be dated tomorrow, even with the narrowness of sights. A small daily revolution interrupted periodically by stronger shocks, always operating against the popular tendencies or the established thing. In the last twenty years, there was little music to dance if we compared it with the present supply. Watching MTV, now most of the songs have an unintelligible text, a stupid text or they do not have text. The music is sung quickly and without feelings and between immense masses of sound. The structure almost does not matter: a new generational model is being defined.

Q.:You were prototype of musician who plays all the instruments. Well, perhaps Paul McCartney anticipated yourself in the first disc of Wings. Later came Prince...

The original artist was LesPaul. He used to record several tracks, the machine instead of instrumentalist and the recording at different speeds: " techno-kid " of the fifty. So, as a concept it is not so transgressor. Even in pop music, few say it but Stevie Wonder has recorded by himself a good part of his more successful albums, starting from " Signed Sealed And Delivered " of 1970. Nevertheless he does not make a world of it.

Q.:And the technique of sampling?

As it is used now, no. However I began to handle sounds pre-recorded by me or others as a sequences from " A Wizard To True Star ". Later, already with Utopia, in live performances we used " samples " of TV commercials on which we added more instruments. It was another aim and another world; we did not have digital technology. Do you remember the cartridges of eight tracks? All the radios had them.

Q.:Why did you choose to enter the world of the video?

It was exciting to me to relate images and music, to visualise the sounds. I coincide with the MTV appearance. They tried to visualise all music, with which I differ. I believe that firstly you need to listen to a song, to release your imagination and to describe the happened thing and , later, to compare your perspective with the one of a director of videos. If when listening to it for the first time, as it happens with MTV, they already provide images to you, that song always will visualise thus, so that your liberties are trimmed instead of harnessed. I am more in agreement with the abstract image: forms, colors, etc. Much more that with the conventional image of a video with the group playing its instruments.

Q.:And now Internet.

What characterises Internet is the way a person can find music and provide it countermanding all the previous concepts on the objectives of music. The CD, as transporting representation of the musical experience, will disappear and will be replaced by a cable or a route of waves. Music stores will not exist, and music will be contemplated more like a service instead of a product, like cable television. You will pay a monthly amount to guarantee your provision and, within the immense possibilities that a supplier will provide to you, you will decide what you want to listen at any time. You will pay ten or fifteen dollars a month to a server whom it will contract different music creators or, as well, will provide the access with his legal representatives. The objectives of month sales and number of copies and sales charts will disappear; the purpose is that everyone will be able to access to as much music as he wants with suitable price and where the artists who make it will continue being compensated for it. It is only a question of having the experience of listening to music, not collecting CDs. The CDs contain music and are used for something more than to become sort of trophy. People, however, sometimes is confused and forgets the basic functions of the objects due to our eagerness of possession. Would not be great to touch a button and be able to choose any song without needing space in your house? With a cost far below, because there will be no manufacturing. Without record companies. Without distribution expenses ...

TODD RUNDGREN. EL BRUJO

Caso singular el suyo. Ninguno de los popes actuales le ha reivindicado, tal vez por representar una época maldita del rock, los setenta pre-punk, y por haber esquivado el éxito masivo. No es fácil percibir su huella en el presente. Ese piano de Plush a veces sintoniza con su intimismo inicial, cuando se inspiraba de los clásicos (Prefab Sprout y The Divine Comedy también). Smashing Pumpkins pueden hincharse de electricidad y, como él, perder todo el gas en cuestión de segundos. Ben Folds Five, New Radicals. ¿Y Prince? Cuando se puso barroco, allá por "Around The World In A Day", tenía un ojo puesto en Stevie Wonder y otro en Todd Rundgren.

Nunca ha sido apuesta segura. Cuando su nombre comenzó a circular ya tenía una colección de canciones redonditas y amables- piano, voz, y apenas tres minutos- en su haber, de pronto eclipsadas por un disfraz de reina flor- son los tiempos- y después por otro espacial a juego con su guitarra de diseño futurista. Productor polémico, que no se paga al servicio de quien paga sino que pretende implantar su credo, con el pecho cicatrizado de las innumerables medallas otrora auto-concedidas, altivo y ególatra, músico que va de lo genial a lo infumable, estratega del rock visionarios dotado de una gran imaginación para anticiparse a la evolución del mercado, pionero: destacable incluso por esa generosidad capaz de ponernos en bandeja- un brujo o una verdadera estrella- el titular.

Una verdadera estrella

Hace 25 años, a pesar del batacazo del hippismo, la música conservaba el perfume de la inocencia y el mercado primaba al autor comprometido con líneas dulces sublimando las emociones. Proliferaban los Belle & Sebastian escaseaban los Low. Hasta que un día Lou Reed publicó "Berlin", otro año eclosionó el punk rock, y así hasta nuestros tiempos cuando la música, más que acompañarnos a disfrutar el mundo, nos ayuda a sobrellevarlo: el formato pop ha perdido vigencia a favor de insinuaciones más itinerantes (ejemplos con disco nuevo: Hood, The Mongolfier Brothers o Songs:Ohia), ésas que sugieren fugazmente y esquivan tus sentidos sin que puedas detenerlas ni, por supuesto, atraparlas. Antes, en los inicios de la carrera de Todd, las canciones, aún durando quince minutos, tenían estribillo.

El azar quiso implantar el embrión de Todd en un vientre del lado equivocado del Atlántico (Upper Darby, Filadelfia, 12-6-48). Su herencia norteamericana se limitaba al apego por los musicales de Broadway de su padre y, exceptuando algunas piezas puntuales de música clásica, sólo tenía ojos para la música que procedía de Gran Bretaña. Inicialmente le impactaron The Beatles pero en 1966, ya con la guitarra entre manos, devoraba todos los estilos: el virtuosismo de Eric Clapton, la astucia de The Kinks, el estruendo de The Who, etc. Con esta macedonia mental, fraguada tras iniciarse en el típico grupo local versionero (MONEY) y curtirse en la banda WOODY'S TRUCK STOP, se va de ésta - según parece, él estaba más interesado en la música y el resto en el ácido y la escena de Frisco- junto al bajista Carson Van Osten para formar NAZZ.

Con sus aptitudes e inquietudes, el corsé del cuarteto pronto le ahogó y en 1970 ya compaginaba dos oficios: el de ingeniero de sonido - para Bearsville, los estudios de Albert Grossman- y el de artista con discografía propia. Publicó sus dos primeros discos apodándose Runt: "Siempre me han dicho que mi nombre es difícil de pronunciar, así que utilicé uno falso para el primer álbum, pero el consumidor pensaba que se trataba de una banda. Intenté arreglar el entuerto en el segundo empezando por atrás. Runt es el nombre del artista y "The Ballad of Todd Rundgren" el del disco. Como había obtenido cierto éxito con un par de sencillos, no podía deshacerme de Runt, necesitaba continuidad, pero así al Menos ya introducía mi nombre". Con el tercero "Something/Anything?" (Bearsville 72) se destapa para el gran público como uno de los compositores vitales de su tiempo: tradicional y a la vez rupturista, pasa de la balada sentida con el piano al blues caótico, todo mayormente interpretado por él mismo. Acústico, eléctrico, tierno o histérico, su dominio de las pistas de un estudio y de un amplio abanico de instrumentos - algo rudimentario a veces, con especial predilección por la gama de teclados, le convierten en una rata de laboratorio tan entrañable como atrevida.

Pero dos discos - "A Wizard, A True Star" (73) y Todd. (74) ambos en Bearsville - y varias producciones después Rundgren está harto. "En Something/Anything? ya me percaté de que mi manera de componer se estaba convirtiendo en hábito, sin reflejar mis nuevas inquietudes. Siempre las mismas secuencias, los mismos acordes y la misma temática. Una fórmula. A partir de entonces sentí una necesidad irreversible de cambiar". Se había hartado del rol de songwriter, ahora quería ser un guitar hero y volver a formar parte de un grupo. Atravesó una etapa grotesca entre plumas y lentejuelas - eso y cuatro piruetas de Rick Derringer y Edgar Winter fue casi todo el bagaje del glam en Estados Unidos- antes de montar UTOPIA gracias a una inmersión en discos de rock sinfónico y jazz-rock (Yes, EL&P, Weather Report, Mahavishnu Orchestra).

Durante un par de años intentó convencer al mundo de la validez de las andanadas instrumentales de Utopía, cuya digestión francamente díscola erosionaba día a dia a su otrora muy fiel parroquia. Utopía no sólo era música también era una manera de vivir fruto de las drogas psicodélicas y las culturas orientales. Negándosele la consagración interplanetaria, mantuvo al grupo hasta 1986, intercalando grabaciones en solitario con un aire mucho más fresco. En el camino, u rosario de producciones que colmarían la ambición de cualquier ser humano, siempre con un punto de polémica: de esta no se libraba ni su vida privada en compañía de la modelo Bebe Buell (aún hoy colea la paternidad de Liv Tyler, hija biológica de Bebe y del cantante de Aerosmith).

Tanto Utopía como sus producciones demuestran el amor de Rundgren por la tecnología punta, y el más nuevo cachivache electrónico del mercado jamás estaba lejos de un estudio donde él trabajase. Esa fama de pionero tecnológico le anima a invertir en el mundo del vídeo en 1980, anticipándose a MTV y a los clips con la construcción de su propio estudio. El segundo semestre de 1980 se enturbia al desvalijarle unos ladrones la casa de Mink Hollow, así como al producirse el asesinato de John Lennon: la rumorología insiste quee dos días antes se había visto a Chapman merodear por allí buscando a Todd.

Musicalmente, estos últimos años no le han proporcionado la recompensa que su audacia merecía: en 1985 publica un disco cuyo único instrumento es la voz; en 1994, un álbum interactivo donde el cliente puede supuestamente alterar las mezclas; otro -"The lndividualist"-, para visionar las canciones a través del ordenador, y actualmente se mueve más atendiendo a sus fans en Internet que pensando en contratos discográficos.

Nazz

Rundgren y Carson Van Osten forman Nazz con otros dos músicos de Filadelfia, el percusionista Thom Mooney y el teclista Robert "Stewkey" Antoni. Este último asume además el protagonismo como cantante. "La mayoría no lo sabe, pero mi período con Nazz fue muy corto, dieciocho meses desde que empecé hasta que me fui. Depositamos muchas esperanzas e un primer disco que debería haber sido un éxito, pero que sólo produjo hits menores como el single Open My Eyes/Hello It's Me". La primera de las dos canciones, un cruce entre The Who y The Beach Boys, fue incluida en la famosa recopilación "Nuggets" configurada por Lenny Kaye. Sin embargo, el álbum "Nazz" jamás encontró su público (se acusa a su management de promocionarles como banda teenager). "Cuando se publicó de nuevo "Hello It's Me" como primera cara, ya habíamos grabado el segundo álbum y yo casi estaba fuera de la banda. Volvía con ellos temporalmente cunado había compromisos que atender, sobre todo actuaciones: todos necesitábamos el dinero. Fue un período confuso y breve, aunque definió en cierto modo todo lo que hice después".

El segundo LP iba a grabarse en Londres y llamarse "Fungo Bat", pero se hizo en Nueva York y finalmente apareción con el título "Nazz Nazz" en Mayo de 1969. Flota ya cierto aire de cantautor - le encanta Laura Nyro - en los once minutos finales con "A Beautiful South". "Sí, hay una mayor dedicación a la melodía, al arreglo vocal. Entr los intimistas y Beach Boys. "Nazz III" (70) se nutrió de sobras de los dos discos anteriores, con Rundgren ya fuera del grupo.

El aventurero tecnológico

Gracias a los buenos oficios de Mastertrax, que ha reeditado en dos fases la parte más suculenta de su obra, accedemos a una conversación telefónica con Todd Rundgren. Según la operadora, el prefijo 808 no corresponde a Los Angeles sino a Hawai: fueron 50 minutos escuchando su voz y contemplando la portada de "With a Twist.." (Guardian-Mastertrax,97), con su facha de Juanjo Puigcorbe ante el refresco tropical: Waikiki, aloha, la brisa del Pacífico, el patetismo del collar de turista gilipollas....

Discografía

Runt (Ampex, 70)

Debut sintomático y modesto, apuntando las líneas maestras de su tiempo y su autor: el fervor por los grupos británicos, la pericia de cantautor. Obtuvo un hit sorprensa con la canción "We Gotta Get You A Woman". Colaboran Hunt y Tony Sales, años después con Iggy Pop y Tin Machines(David Bowie)

The Ballad of Todd Rundgren (Ampex, 71)

Los acordes recios desaparecen y se instala el piano acaramelado en el que tal vez sea para mí, repasando su discografía en los albores del nuevo milenio en el que se ensalza a Burt Bacharach y Jimmy Webb, su álbum más apetecible. Diez de las doce canciones son un primor: "Wailin Wall", "The Range War", "Be Nice To Me", "Hope I'm Around", The Ballad (Denny and Jean)", y un "Boat On The Charles" con Todd tocando saxos. Aún me derrito cuando las escucho.

Something/Anything? (Bearsville, 72)

Su obra más laureada. En las tres primeras caras de este doble LP se las apaña él solito confeccionando enternecedoras odas románticas que ahora mismo triunfarían en cualquier discográfica independiente, hogareñas, en las antípodas del virtuosismo, con "I Saw The Light" a la cabeza- éxito en mayo de 1972- abriendo cancha para que desfilen "Cold Morning Light", "Sweeter Memories", "Marlene" y "One More Day (No Word)". La cuarta cara comienza recogiendo pequeños y roñosos testimonios de su arranque en Money y Woody's Truck Stop, para seguir con músicos de sesión a través de un paseo con la revisión de "Hello It's Me"- su mayor éxito en noviembre de 1973- como cima.

A Wizard, A True Star (Bearsville, 73)

Un abigarrado entresijo de arreglos da forma a sesenta minutos divididos en canciones para todos los gustos, desde las clásicas- "I Don't Want To Tie You Down"- y tiernas- medley con versiones de Impressions, Miracles, Delfonics y Capitols- hasta las de riesgo sublime- "Zen Archer"-, todas rematadas con brochazos sintéticos de teclista chapucero. Ah, y un sentido del humor- esos coritos- cercano al de Mothers of Invention: "Me impresionó la libertad con que operaban, sin planificar, sin editar. La música actual está demasiado encorsetada por la presión del mercado. Es ejemplar en lo técnico, demasiado perfecta. Y el carácter no se encuentra en la ejecución perfecta, sino en las imperfecciones". Galáctico, artificial, excesivo pero imprescindible.

Todd (Bearsville, 74)

Disco doble que refleja su conflicto interior y la confusión de los tiempos- contemporáneo de Rock'n'roll Animal de Lou Reed y Diamond Dogs de Bowie- con una primera cara casi totalmente en solitario- "I Think You Know", "A Dream Goes On Forever"- y otras tres más eclécticas y erráticas, donde conviven solos de guitarra heavy sobre colchas de plástico, efectos especiales/espaciales y desbarre global disfrazado de rock'n'roll. Una vez asimilados los numerosos interrogantes que suscita, asoma entre líneas una lectura de futuro.

Todd Rundgren's Utopia (Bearsville, 74)

Sus colaboradores de los últimos tiempos- Kevin Ellman, Moogy Klingman, Jean Yves Labat, Ralph Schuckett y John Siegler- le ayudan a dar forma al embrión de Utopia, que con sólo tres canciones- la primera en directo- de minutaje, habilidad y sopor infinitos- OK, me estoy pasando -, entierran al Todd Rundgren compositor.

Initiation (Bearsville, 75)

Contaminado por la doctrina de Utopia, un disco que pretende convencer de las posibilidades de mantener dos carreras paralelas pero que se agarrota en las arenas movedizas de lo mesiánico recargado. ¿Que cómo suenan las canciones tituladas "The Death of Rock & Roll", Born To Synthesize", A Treatise of Cosmic Fire"? Pues justamente así.

Another Live (Bearsville, 75)

Segundo disco de Utopia, y ya se atreven con un concierto grabado, del cual destaca la deliciosamente acústica "The Wheel", así como una versión de "DDDDDDo Ya" (pues, según los créditos, The Move habían hecho una de "Open My Eyes" de Nazz) Tampoco falta el cierre habitual con "Just One Victory".

Faithful (Bearsville, 76)

Seis versiones clavadas que muestran sus influencias -The Yardbirds, The Beach Boys, Jimi Hendrix, Bob Dylan, dos de The Beatles- en la primera cara y seis temas nuevos- "Love of The Common Man", "Cliché" y "The Verb To Love" pasan con nota- en el reverso.

Ra (Bearsville, 77)

Primer disco de Utopia con la alineación definitiva: Rundgren, Roger Powell, Kasim Sulton y John Willie Wilcox. Rollito egipcio, culto al sol, a las pirámides y a todo lo ampuloso. Se salva "Magic Dragon Theatre". "Teníamos una manera de tocar agresiva, voluminosa: un show nuestro podía durar como uno de Greatful Dead, cuatro horas, con los encargados del local siempre enfadados. Pero la música era intensa".

Oops! Wrong Planet! (Bearsville, 77)

Cambio de rumbo, de pronto les entra la vena pop-rock. Sin milagros, por supuesto. Estribillos huecos para FMs yanquis, codeándose con Kansas, Heart y Journey. ¿Como pueden coesxistir en un mismo álbum títulos como "Love In Action" y "Love is The Answer".

Hermit of Mink Hollow (Bearsville, 78)

El disco de la resurección, el que sirve para recuperar su prestigio y demuestra que nunca se ha de sentenciar a un genio. "Todas las voces e instrumentos a cargo de Todd Rundgren". Y unas melodías - "Can We Still Be Friends", "Hurting For You", "Lucky Guy", "Fade Away" - para acariciar y confortar. Como un beso en la boca sin lengua.

Back To The Bars (Bearsville, 78)

Como éxitos - lo que se dice muchos y grandes - no ha tenido, el recopilatorio de rigor se promociona con la excusa del directo. Contribuyen casi todos los músicos que han pasado por Utopia y algunos de sus producidos, así como Spencer Davies y Stevie Nicks. Ya propone una versión piano bar de "Never Neverland".

Adventures In Utopia (Bearsville, 80)

Segundo intento de normalización de Utopia mediante cancioncillas. Ahora ya existen The Knack - la percusión de "Set Me Free" - y Toto. Curiosamente, el paso de los años no ha servido para mejorar la paupérrima impresión que causó.

Deface The Music (Bearsville, 80)

Todd se descuelga con la idea de un disco parodiando a The Beatles, con los miembros de Utopia resignados a copiarles hasta el último tic sobre tonadas distintas. Con esto demuestra que es posible obtener en estudio réplicas de cualquier música. Divertido, aunque vacuo.

Healing (Bearsville, 81)

Un compositor terapeuta pretende salvar al planeta con esta tirita de seis canciones en una cara - pop con sintetizador, estamos en 1981 - que va de lo correcto - "Pulse" y su percusión indonesio; "Compassion", clásica - a lo burdo - "Golden Goose" -, y una segunda con el bálsamo de otro concepto - "Healing" partes 1,2 y 3 - inesperadamente bien resuelto.

Swing to The Right (Bearsville, 82)

"Una colección de canciones políticas. Fue grabado a los pocos meses de que Ronald Reagan fuera elegido presidente. Refleja nuestra reacción al ver el rumbo que tomaban las cosas: canciones pop políticas".

Utopia (Network, 82)

Prosigue el aroma de los sesenta, sin el mimetismo Beatle, sin las guitarras estridentes y sin, reincidente, demasiada gracia. Un pop ejecutado con discreción gris: construyen estribillos donde no los hay utilizando coros plomizos. Copias norteamericanas llevan cinco canciones en un mini-LP añadido.

The Ever Popular Tortured Artist Effect (Bearsville, 83)

El artista vanidoso que lo toca todo, enésima oferta. Ni mejor ni peor que las anteriores, ni siquiera diferente. Contiene un homenajes a Small Faces - "Tin Soldier -, un corte bullanguero que se agradece - "Bang The Drum All Day" - y la versión original de "Influenza".

Oblivion (Passport, 84)

Primer álbum de Utopia para Passpor tras el breve paso por Network. Recupera briznas del derrame - ¿eyaculación? - de sintetizadores y guitarras, aunque se ciñe al formato pop de tres minutos. Incluso con matices dance (el single "Love With a Thinker")." Una de mis grabaciones más experimentales". Persiste la crítica solapada a la administración Reagan.

P.O.V. (Passport, 85)

Las sesiones de este disco rompen Utopia. Wilcox quería baterías programadas - a lo cual se oponía Todd - enfocadas al soul y al rythm'nblues. El equilibrio no contentó a nadie. Un tema extra en el CD ("Man of Action)". Buen single, "Mated".

A Cappella (Warner, 85)

¿Quién toca la batería? ¿Y el bajo? ¿Nadie? El único instrumento en el álbum es su voz, que, convenientemente tratada - recortada y pegada - puede suplantar cualquier sonido. Inteligente.

Nearly Human (Warner, 89)

Sofistisoul blanco, tipo Hall & Oates, madura y aterciopelado, tras casi cuatro años de silencio. Colaboran Utopia, su actual percusionista Prairie Prince - de The Tubes -, sus producidos Brent Burgeois y Larry Tagg, y destaca Bobby Womack en "The Want of a Nail".

Second wind (Warner, 91)

Prosigue la línea del anterior combinando lo suntuoso ("Love in Disguise") con lo medólico ("Gaya's Eyes") y lo accesible ("Kindness").

No World Order (Food For Thought, 94)

Graba en 1992 sólo y sin contrato discográfico el primero, y añade después una versión interactiva. Sonido programado - reproducible en directo por una sola persona -, incursiones en el rap, y muchos tramos ideales para acompañar un juego de Playstation.

With a Twist... (Guardian, 97)

Sabrosa revisión de algunas de sus canciones más emblemáticas, junto a otras menores aunque igualmente solventes, en clave tropico-bossa-lounge. Publicado por Guardian, que también ha seducido a Jimmy Webb para recuperar al piena sus cásicos en "Ten Easy Pieces".

Recopilaciones

Con la disolución de Utopia se recuperan canciones de "Oblivion" y P.O.V, añadiendo dos más, "Fix your Gaze" y "Monument", en "Trivia" (Passport, 87). Tanto Todd como Utopia tienen sus "Anthology" (88 y 95, respectivamente) repescados por Rhino. Estos últimos además publicaron "The Utopia Collection" (88), mientras Todd apenas ha estrenado el doble "Go Ahead, Ignore Me". (Castle-Mastertrax, 99). "The Best Of Nazz" documenta su primera etapa.